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¿Cómo se diseña una historia alrededor de un personaje principal? Ya sea que tengas que contar una historia en cinco minutos o escribir el guión de una película de dos horas, siempre puedes usar como guía una estructura narrativa lineal. La anatomía de una historia suele desarrollarse, en este orden, con un planteamiento, un detonante o premisa dramática, el desarrollo de la acción que intensifica la tensión de nuestro relato, el clímax o momento álgido de la historia, y una resolución o desenlace.

Sin embargo, a la hora de enfrentarte a un papel en blanco, es posible que esta estructura te dificulte ponerte en la piel de tus personajes principales, ya que estos componentes ayudan a estructurar una historia desde fuera, y no desde la perspectiva de tu protagonista. Si ya tienes un mente un héroe o heroína para tu relato, tal vez te sea más sencillo construir tu historia a lo largo de estas ocho etapas, como si de un viaje se tratara. Y para ilustrarlo, voy a usar como ejemplo a John McClane (Bruce Willis) de La Jungla de Cristal (Die Hard, 1988) una de mis películas favoritas de acción de todos los tiempos (y si no la has visto aún, ¡no sigas leyendo!)

1. El Personaje. Al inicio de tu historia, tienes que presentarnos al personaje que servirá de héroe o antihéroe en tu historia. El antihéroe es un héroe que tiene algunas características negativas que lo hacen menos perfecto a nuestros ojos que el héroe tradicional (un héroe perfecto puede resultar muy aburrido, y el hecho de que tu personaje sea un poco egoísta, o sea arrogante, o incluso haya tenido problemas en el pasado, le proporciona aristas que lo hacen mucho más interesante). En La Jungla de Cristal, John McClane  es un policía de Nueva York, divorciado, que viaja a Los Ángeles.

2. La Necesidad. ¿Cuál es el objetivo o necesidad que tiene nuestro personaje principal? John ha viajado a la otra punta del país para intentar reconciliarse con su ex-esposa, quien se encuentra en una fiesta de Navidad en un gran rascacielos. John es un clásico antihéroe con un pasado imperfecto, dispuesto a aprender de los errores del pasado, para reparar su matrimonio y recuperar a la mujer que quiere.

3. El Desencadenante. Algo ocurre en la historia que desencadena un nuevo curso de acción de nuestro personaje. En nuestra historia, John está cambiándose de ropa en un baño cuando 12 terroristas irrumpen en la fiesta y toman como rehenes a todos los asistentes. Los terroristas pretenden robar 640 millones de dólares que el propietario del rascacielos guarda en una caja fuerte. John es la única persona que logra escapar.

4. La Búsqueda. Nuestro personaje principal tiene que adaptarse a la nueva situación y tomar acción en la búsqueda de una solución. John activa una alarma contra incendios para que los terroristas lo descubran, como maniobra de despiste, e intenta atraer la ayuda de la policía desde la azotea del edificio. En una de las escenas más emblemáticas de la película, John mata a uno de los terroristas  y, tras robar su ametralladora y su radio, escribe en su camiseta «Ahora tengo una ametralladora, Jo Jo Jo» . John envía el cuerpo por el ascensor al piso donde se encuentra Hans Gruber, el líder de la banda.

5. El Hallazgo. En este momento de incremento de tensión en la acción, nuestro personaje toma acciones que parecen ponerlo cerca de la consecución de su objetivo. En las series de detectives, por ejemplo, es ese momento cuando la investigación da con una pista que pareciera apuntar hacia el asesino, aunque luego sea una pista falsa. En nuestra historia, John McClane logra contactar por radio a la policía, y la policía envía al Sargento Powell a investigar. Pero como Hans ha escuchado la conversación de John con la policía, uno de sus terroristas se hace pasar por portero de noche en la recepción. Powell no encuentra nada anormal en el edificio y, al marcharse, John McClane deja caer, desde la altura del rascacielos, el cuerpo de uno de los terroristas sobre la capota de su coche de patrulla.

6. El Contratiempo. El hallazgo es efímero, y la acción que guía a nuestro protagonista, aunque pareciera estar a punto de concluir, se complica aún más, creando incluso más tensión. Este es el punto álgido de nuestra historia, cuando parece que es imposible reponerse o salvar la situación. En La Jungla de Cristal, la policía ataca el rascacielos en contra del consejo de John, y los terroristas logran vencerlos con misiles. En un acto desesperado, la policía corta la electricidad del edificio y, para la alegría de los terroristas, se desbloquea la contraseña de la caja fuerte. John está casi derrotado, envuelto en sangre. Mientras tanto, Powell alienta a John por la radio para que no tire la toalla.

7. El Regreso. Pero no todo está perdido: nuestro héroe encuentra la fuerza o la inteligencia para salvar el contratiempo. En La Jungla, los terroristas, cargados de explosivos, suben a la azotea del edificio y esperan a que un helicóptero que les envía el FBI les permita escapar con el botín. John, sin embargo, logra llegar a la azotea y mata a varios terroristas, detonando los explosivos y enviando a los rehenes de vuelta al piso donde se celebraba la fiesta. Solo queda vivo Hans y un par de sus hombres más cercanos, quienes han visto a la ex-mujer de John en las noticias y se la llevan consigo al garaje del edificio, en un último intento por escapar con vida.

8. El Cambio. El personaje vuelve a estar en control de la situación, y se convierte en el agente de cambio. John McClane se enfrenta a Hans en el garaje, entrega su ametralladora para que no haga daño a su esposa y, en un descuido de los terroristas, logra matarlo con las dos últimas balas que le quedaban en una pistola que había pegado a su espalda. Cuando John y su ex salen del edificio, la mano derecha de Hans aparece entre los rehenes e intenta matar a John, pero Powell le salva con un disparo. El desenlace es feliz, en el que intuimos que la ex de John le dará una segunda oportunidad.

¿Te animas a esbozar este viaje con un personaje? Prueba a inventarte un héroe … o un antihéroe, que da más juego.

En este blog hemos explorado la anatomía de una historia, los tipos de historias que emocionan, el arte de construir diálogos, o la magia de perfilar personajes con los que podamos identificarnos. Pero, en esencia, ¿qué hace que una historia nos capture y tenga impacto? Descubramos las cinco C´s del lenguaje en una historia efectiva.

Como en cualquier comunicación, una buena historia sienta sus pilares en el lenguaje. Para ilustrar la importancia del uso efectivo del lenguaje en storytelling, leamos el arranque de esta historia que contó el escritor Jonah Lehrer para la serie de charlas The Moth. La historia se llama ¨Afección¨.

Era tarde. Estaba parado afuera de mi casa. Acababa de llegar desde el aeropuerto. Siempre conducía desde el aeropuerto. Y recuerdo mirar la puerta principal, sabiendo que una vez que la abriera, mi vida nunca volvería a ser la misma.

Esa mañana había estado en St. Louis dando una charla a 1,000 personas en el Centro de Convenciones. Justo antes de subir al escenario, recibí una llamada. Otro escritor había descubierto que fabriqué varias citas de Bob Dylan en uno de mis libros. Había sido fanático de Dylan de toda la vida y estaba familiarizado con las versiones aproximadas de lo que había dicho. Entonces, escribí esas aproximaciones para que parecieran mejor, como si realmente hubiera hecho mi tarea, y luego olvidé que estaban allí. Estas fabricaciones no fueron los únicos errores en mi trabajo; fueron simplemente los peores.

Recibí esa llamada entre bastidores y supe de inmediato que mi carrera había terminado. La gente habla de la vergüenza pública, de todas las personas malas en Internet, y es verdad. Hay personas malas en Internet, pero para mí, y solo puedo hablar de mi propia experiencia aquí, la vergüenza privada es mucho peor. Puedo apagar mi teléfono. No puedo apagar esos pensamientos sobre cómo lastimaría a las personas más cercanas, a las que más respeto. Esos son los pensamientos con los que voy a luchar por el resto de mi vida. Sobre todo, pienso en mi esposa.

Abrí la puerta y allí estaba ella, sentada en el sofá, con una coleta y su pijama. Había llamado desde el aeropuerto, diciéndole que llegaría temprano a casa, que tenía malas noticias, pero ahora tenía que darle todos los detalles sórdidos. Recuerdo la forma en que escuchaba y trataba de no llorar. Esa noche le dije que me dejara, que no era digno de ella y que nunca lo sería, que estaría triste por mucho tiempo y que se merecía mucho mejor. Pero ella se quedó, y porque se quedó, tengo una historia que contar.

Esta es una historia de revelación, en la que el descubrimiento del plagio marca un antes y un después en la vida del narrador. Este comienzo nos deja con ganas de saber qué pasó después, y en qué consistió esa transformación, gracias a un uso efectivo del lenguaje que podemos resumir en las siguientes cinco C´s, como técnica para recordarlo.

CLARO.  El lenguaje de las historias que mejor conectan con las audiencias es sencillo, de tal forma que pueda ser comprensible para un niño de 10 años. Las frases de Lehrer, por ejemplo, no utilizan tecnicismos ni palabras complicadas; la acción es directa, muy descriptiva, y en cada momento queda claro quién hace qué, sin complejidad. Podríamos fácilmente resumir la historia a la de una persona con miedo y vergüenza de regresar a casa tras descubrirse que ha cometido plagio en uno de sus libros. El argumento y el lenguaje es transparente, a tal punto que a medida que escuchamos la historia nos podemos fácilmente imaginar las situaciones y los sentimientos del narrador.

CONCISO. Las frases cortas, usadas de forma estratégica, nos ayudan a dar claridad y a impulsar la acción en nuestras historias. En frases como “Abrí la puerta y allí estaba ella, sentada en el sofá, con una coleta y su pijama.”, Lehrer nos describe el encuentro con su mujer con los detalles justos para mantener la historia viva y relevante en nuestras mentes. La coleta y el pijama de la esposa denotan comodidad e intimidad como contrapunto a la conversación incómoda que el autor estaba a punto de entablar con ella. Así, las mejores historias son económicas y estratégicas con los detalles, y evitan el uso de la voz pasiva para generar dinamismo y protagonismo en la acción.

COHERENTE. La coherencia, o claridad de expresión, se manifiesta en la capacidad del contador de la historia de conectar ideas y de facilitar la compresión de su narrativa. Así, una historia coherente se caracteriza por frases de distintas longitudes y estructuras, con el uso correcto de la puntuación y con transiciones entre frases y párrafos como “así, por lo tanto, además, sin embargo, al mismo tiempo, etc.” Es importante que cada párrafo, como en el caso de la historia de Lehrer, desarrolle una sola idea o argumento, y que la información más importante se coloque al principio del párrafo. Una historia coherente también mantiene un tono y estilo similar de principio a fin, a no ser que esté en manos de un contador de historias experimentado que pueda cambiar de registro (por ejemplo, contando una historia desde las voces distintas de sus personajes) sin perder a la audiencia.

CONVINCENTE. Una historia convincente nos atrapa desde el primer momento, y nos interesa por seguir escuchando hasta su desenlace. Lehrer crea mucha convicción y tensión narrativa con esa imagen de él parado enfrente de la puerta de su casa, inmovilizado y aterrado de tener que enfrentar a su esposa. La historia nos convence por la humanidad que despliega el autor – lo que en un principio pareciera ser una historia sobre el fracaso profesional se convierte en una historia sobre lo que realmente nos importa, el amor y la afección de los que nos rodean, incluso cuando los fallamos. Para ser convincentes, las buenas historias tienen que sentirse tan auténticas como sorprendentes, y aunque sean de naturaleza fantástica, deben regirse por las reglas del mundo que hemos creado, amparadas por valores universales.

CREATIVO. El uso creativo del lenguaje, a través de simbolismo narrativo como la metáfora o la alegoría, es vital para crear riqueza y textura en nuestras historias. Si bien la historia de Lehrer no contiene mucho simbolismo al tratarse de una historia breve, factual y basada en momentos personales de su vida, podemos deducir que la puerta principal al inicio de la historia simboliza el miedo y a la vergüenza que siente el autor. O cuando dice “Puedo apagar mi teléfono. No puedo apagar esos pensamientos sobre cómo lastimaría a las personas más cercanas”, Lehrer construye una bonita contraposición entre el mundo real y el de los sentimientos.

Si bien es imposible transcribir toda la historia de Lehrer en esta entrada de blog, su relato avanza dando ejemplos de cómo, durante varios años, tuvo que reconquistar el afecto y la confianza de su esposa y de su hijos tras el plagio. Como muchas buenas historias, Lehrer cierra su historia con una emocionante moraleja:

Los mejores días para mí ahora son cuando la felicidad me toma por sorpresa: la alegría que le da a mi hijo ver los tipos de neumáticos en Costco; la fiesta de baile que se interrumpe cuando me doy cuenta de que mi hija sabe demasiadas palabras para Drunk in Love de Beyoncé; ese momento en cada comida donde las cosas se ponen tan desordenadas que dejas de notar el desorden y simplemente disfrutas de ver a un niño untar su pelo de mantequilla. Así es la vida familiar. A veces no puedes creer en quién te has convertido o de qué te estás riendo o dónde más quieres estar. Nuestras afecciones nos dan forma de manera divertida. Estoy agradecido de que me hayan dado forma. Aprendí sobre el amor. Mi familia me enseñó sobre el amor, y ese ha sido mi gran consuelo.

Como profesional de la comunicación, la pregunta que más ansiedad me ha causado a lo largo de mis más de 20 años de experiencia es sencilla en su formulación pero compleja de responder: ¿Cómo mides la efectividad de la comunicación?

La respuesta puede ser tan diversa como distintos son los ámbitos de la comunicación. En marketing, por ejemplo, la mayoría de las empresas miden la efectividad de sus esfuerzos en términos de ventas y de captación de clientes. La comunicación que apunta a cambiar o a adoptar comportamientos, por su lado, también suele tener claros indicadores de impacto, como puede ser el número de personas que dejan de fumar tras estar expuestas a una campaña anti-tabaco.

En otras ramas de la comunicación, sin embargo, la respuesta es menos clara. Un empresario, por ejemplo, puede preguntarse hasta qué punto su negocio está mejor posicionado frente al de la competencia, o si sus esfuerzos por redefinir una marca se han trasladado en réditos para la empresa, aunque solo sea en términos de reputación.

La comunicación no deja de ser una ciencia inexacta, y como tal, su impacto puede parecer intangible. Son pocas las empresas que pueden permitirse el lujo de tocar todos los palos de la comunicación para no dejar ningún cabo suelto, bien sea desde contar con publicidad pagada en redes sociales a gestionar cobertura mediática favorable. La estrategia del que cree ganar abarcando todo, además de prohibitivamente cara, es muy poco efectiva.

Entonces, ¿cómo puede una empresa saber qué recursos de comunicación van a propiciar que un cliente de el paso de comprar sus productos o servicios? ¿Se puede valorar el impacto de la comunicación en el número de “me gustas”, artículos publicados o tuits?

Ahora cuando me preguntan cómo se miden los esfuerzos de comunicación, siempre puntualizo que cabe preguntarse primero ¿cómo estás definiendo tu estrategia de marketing y comunicación?. Es más, si es una de esas empresas que hace comunicación sin estrategia, replico que no pierdan el tiempo y no lo hagan.

La comunicación inteligente solo se puede medir en la medida que se planifique. Y al planificarla, la comunicación no se convierte en una estrategia independiente, sino intrínseca, a los objetivos de un negocio.

De hecho, el marketing efectivo se nutre de un conocimiento íntimo de nuestra audiencia o cliente. Este enfoque resta énfasis a los productos o canales de comunicación que vamos a usar, y da mayor peso a la fase de investigación, desarrollo y monitoreo de nuestro plan.

En síntesis, el marketing inteligente se desarrolla en tres fases:

Investiga a Fondo tu Mercado. ¿Cuáles son tus objetivos de negocio? O dicho de otra forma, ¿qué esperas que tu cliente haga, compre o consuma? Al igual que en una presentación tu audiencia es tu héroe, el marketing de tu empresa debe ir dirigido directamente a ese perfil o perfiles de clientes ideales. Cuanta más información detallada tengas sobre ese perfil – desde sus hábitos de compra a las personas que influyen en su toma de decisiones – más fácil será desarrollar una estrategia de marketing efectiva. Por eso, no escatimes tiempo ni recursos en realizar una buena investigación, que puede usar desde métodos tradicionales como las entrevistas a profundidad y los grupos focales, a sofisticadas herramientas que rastrean huellas digitales de conversaciones y personas. ¿No te has preguntado alguna vez por qué puedes estar leyendo sobre Cancún en una página web como potencial destino para irte de vacaciones, y una hora más tarde una agencia de viajes te ha colocado un anuncio de Cancún en tu muro de Facebook? En la era digital, cada golpe de tecla provee valiosa información para informar las estrategias de marketing y comunicación.

Desarrolla una Estrategia Flexible. Muchas empresas ya están usando la inteligencia de mercado para desarrollar estrategias de marketing y comunicación enfocadas en sus clientes ideales, pero pocas tienen la suficiente flexibilidad como para inyectar creatividad y astucia en sus campañas, sobre todo a medida que fluctúan las conversaciones e intereses de esa clientela. Hoy, más que nunca, el conocimiento íntimo de la audiencia pasa por tener un contacto constante con ella para poder hacer una comunicación tan inteligente como relevante. Coca Cola, por ejemplo, es una de las empresas que, a pesar de haber marcado durante décadas líneas estratégicas de comunicación alrededor de temas universales como la diversidad y la solidaridad global, es capaz de desarrollar productos que miden el pulso de la conversación a lo largo del tiempo para resonar con su audiencia. En su última campaña en Estados Unidos, por ejemplo, Coca Cola ha producido un comentado spot sobre dos hermanos, un chico y una chica, que luchan por la atención del chico que les limpia la piscina, en un claro guiño a la normalización de los derechos de la comunidad gay:

Mide el Impacto en Tiempo Real. La comunicación no es un resultado, sino un proceso, por lo que no debes esperar hasta el final de una campaña de marketing para medir su impacto. Si has usado herramientas de investigación de mercado para informar tu estrategia, será fácil usar esos mismos recursos para monitorear tus esfuerzos durante la fase de implementación. Herramientas digitales como Brandwatch o Quid te permitirán medir, en tiempo real, las conversaciones de tus clientes, lo que hace posible medir aspectos de comunicación que tradicionalmente eran más intangibles como, por ejemplo, en qué proporción están hablando de tu producto antes y después de tu campaña frente a productos similares de la competencia.

En este sentido, más que medición, estas herramientas te permiten escuchar a tus audiencias de forma constante, por lo que los planes de comunicación pueden ir ajustándose  en la medida que tu empresa tenga capacidad de respuesta. Al poder medir reacciones a nuestros esfuerzos casi de manera inmediata, podemos ser más atrevidos a la hora de comunicar y probar distintas tácticas y productos hasta dar con las más adecuadas.

En conclusión, ha llegado el momento de cambiar de paradigma: no te preocupes tanto en cómo medir el impacto de la comunicación, sino en cómo obtener un conocimiento íntimo y constante de las conversaciones y comportamientos de tus clientes. Nunca habrá mejor indicador de impacto que una clientela cautiva a la que no dejes de sorprender y seducir.

“Nunca des una presentación que no quieras escuchar”. Esta es la sencilla filosofía de Duarte, una de las compañías más prestigiosas en el desarrollo de presentaciones efectivas de Estados Unidos. La compañía, fundada por Nancy Duarte hace 25 años en Silicon Valley, ofrece cursos de formación a empresas que quieran perfeccionar la estructura, diseño y entrega de cualquier tipo de presentación, desde ponencias magistrales al estilo TED, hasta los famosos “discursos de ascensor” para persuadir en la venta o posicionamiento de ideas y productos.

En todos los casos, Duarte parte de una premisa tan obvia como trascendental: para ser persuasivo, es fundamental conocer a tu audiencia íntimamente. Es probable que tú, como presentador, tengas ideas claras de lo que quieres comunicar, y lo primero que hagas a la hora de preparar una presentación sea abrir una filmina de PowerPoint para empezar a escribir. Pero si no estudias previamente a tu público, es probable que tu mensaje no resuene con él, y fracases en tu intento de influir en sus percepciones, conocimientos, actitudes o comportamientos. Al final de tu presentación, por muy satisfecho que te sientas por lo bien que has hecho el trabajo, lo único que importa es que hayas elevado a tu público a otro plano, al de héroe, para que efectúe un cambio.

Por eso, antes de ponerte a escribir, Duarte nos recomienda contestar las siguientes preguntas:

¿Quiénes son? Si, por ejemplo, quieres vender tu idea de desarrollar una aplicación para enseñar idiomas, tu presentación tendrá que ajustarse en términos de lenguaje, tono y formato según a quién te estés dirigiendo. No es lo mismo persuadir a un grupo de potenciales inversores que a un grupo de jóvenes diseñadores sobre la brillantez de tu idea. Ponte en sus zapatos e imagínate qué tipo de presentación quieren escuchar – un inversor probablemente quiera escuchar algo más breve, corporativo y enfocado en el rendimiento económico de tu propuesta, mientras que un diseñador apreciará aprender sobre los aspectos más creativos y originales de tu aplicación, explicado de una manera informal y más entretenida.

¿Por qué están aquí? Si te detienes a pensar por qué una audiencia acude a escucharte, podrás encontrar el enfoque de tu presentación. Los inversionistas de nuestro ejemplo querrán ganar dinero con tu idea, y los diseñadores desearán inspirarse en el tipo de herramientas creativas y tecnológicas que estás implementando. Recuerda que el mero hecho de que has logrado convocar a una audiencia frente a ti ya supone una disposición a escucharte, de ti depende terminarlos de convencer.

¿Qué les provoca insomnio? Para que puedas asumir más fácilmente el papel de mentor que eleva a la audiencia al heroísmo, es aconsejable que te pares a pensar qué les preocupa, y cuáles son sus miedos o inquietudes. Los inversionistas de nuestro ejemplo estarán preocupados de invertir en un proyecto que no sea ni viable ni lucrativo, por lo que tendrás que aplacar sus dudas con argumentos de peso en tu presentación. Los diseñadores querrán saber qué herramientas usas en tu proyecto que les pueda facilitar su trabajo en el futuro, cómo tu planteamiento se diferencia de los demás.

¿Qué quieres que hagan? Las presentaciones más efectivas tienen una sola idea central que se pude verbalizar en una clara llamada a la acción. Esa tesis será más sólida en la medida en que la puedas formular como de beneficio para la audiencia. A los inversores de nuestro ejemplo, les estarás intentando convencer de que pueden ganar dinero si invierten en tu idea. En cambio, para los diseñadores, adaptarás tu presentación para que ellos sientan que están aprendiendo algo nuevo que puedan usar en futuros proyectos. Una presentación efectiva no debe enfocarse solamente en lo que tú quieres transmitir, sino en las oportunidades que tu público pierde si no adopta tu idea o producto.

¿Qué los puede frenar? El análisis previo de todos esos elementos que pueden causar resistencia al contenido de tu presentación es una de las claves del éxito. Adelántate siempre a sus preguntas, y explica los riesgos o impactos negativos de no asumir el cambio que propones. En este sentido, es aconsejable que ganes su confianza desde un principio, para que no piensen que no tienes las calificaciones o credibilidad adecuadas, y que realmente compartes sus mismos objetivos. Por muy sólida que sea tu propuesta, los inversionistas de nuestro ejemplo pueden desinteresarse si no proyectas responsabilidad en el uso del dinero, o si no perciben que tienes el suficiente aplomo como emprendedor para que un proyecto progrese. Estudia todos los posibles ángulos que puedan causar un rechazo en la audiencia.

Una vez realices estas reflexiones, será mucho más fácil enfrentarse a esa filmina de PowerPoint. Tu presentación habrá encontrado una razón de ser y partirá con un objetivo claro. Ahora solo será cuestión de esbozar las paradas del viaje figurativo que estás a punto de organizar para ese público expectante.

Si eres lector de este blog recordarás que recientemente tipificamos las historias que contamos en tres grandes categorías: historias lineales, no lineales y de punto de vista.

En esta ocasión, profundizaremos en identificar las técnicas narrativas más habituales para contar una historia. Estos modelos pueden ayudarte desde el momento que decides esbozar el arco narrativo y la trama de tu historia, bien sea para un artículo, una novela o película, o una presentación.

Te recuerdo que contar historias te permitirá crear vínculos emocionales con tu audiencia, más allá de la información factual que desees esgrimir. Las historias son herramientas que, bien estructuradas y contadas, pueden sorprender, divertir y encandilar al público, por lo que tus argumentos se convertirán en mucho más persuasivos.

Seis Modelos de Estructura Narrativa

1. El Viaje del Héroe. La mayoría de nuestras historias siguen a un personaje central, de forma lineal, que debe superar una serie de obstáculos fuera de su zona de comodidad para superarse a sí mismo, establecer nuevas conexiones o elevarse a un plano emocional distinto.

Desde la Guerra de las Galaxias a Buscando a Nemo, este tipo de historias suele involucrar un viaje literal o metafórico para la audiencia. El arco narrativo sigue a un personaje principal que toma riesgos, sortea obstáculos, cultiva un aprendizaje y lograr un objetivo concreto que suele suponer una ganancia respecto al arranque de la historia. De hecho, este tipo de historias suelen tener un final feliz para el público.

El viaje que estoy disfrutando en estos momentos es el de Sunja, la heroína de la serie Pachinko (2022) de Apple TV +. Sunja es una mujer coreana y analfabeta que vivió su infancia en el Busán de 1910, bajo la ocupación japonesa. La historia de Sunja, basada en un bestseller, incluye muchos desafíos que sorteará hasta llegar a la vejez en Osaka, en el país enemigo.

2. Los Peldaños de Escalera. Cuando tenemos más tiempo para contar una historia, como por ejemplo en el caso de los thrillers seriados, podemos crear tensión narrativa utilizando los peldaños de una escalera, en los que la acción no siempre se mueve hacia adelante, sino que se detiene o retrasa por falsas pistas, pasos equivocados, o la aparición de factores externos inesperados. Volviendo al ejemplo de los thillers, todos hemos visto esas series en las que el detective sigue una pista o un sospechoso para resolver un asesinato hasta darse cuenta de que sigue un camino equivocado, y de que debe abrir una nueva línea de investigación.

Así, las historias con peldaños de escalera crean tensión más lentamente, y se enfocan en la capacidad de nuestros personajes principales de superar desafíos. Esta técnica suele usarse en historias dramáticas, no siempre con un desenlace feliz.

Una serie que recientemente usó con efectividad esta técnica es el thriller ¨La Chica de Nieve¨ (2023) en Netflix. La serie describe los muchos pasos en falso de la policía para ubicar a lo largo de los años a una niña desaparecida.

3. Las Capas de Cebolla. En algunas ocasiones, como en el caso de las historias contadas desde distintos puntos de vista, la estructura de una narrativa puede asimilarse a las capas de una cebolla. En el corazón se encuentra la historia principal, y las historias que forman las capas ayudan a explicar o a entender esa historia en el centro de la trama.

Hasta cierto punto, las narrativas que siguen este modelo son, en realidad, varias historias dentro de una historia, y suelen usarse para establecer analogías o como piezas de un rompecabezas que se compone al final. Así, estas historias suelen arrancar centradas en un personaje, para luego introducir las historias paralelas o consecutivas a las de ese personaje, y concluyen volviendo a introducir al personaje del inicio.

Un claro ejemplo del uso de esta técnica la podemos ver en la película Embaucadores (¨Sharper¨, 2023) de Apple TV +. Cuatro personajes dispares son parte de una sorprendente trama de robo y mentiras que salta en el tiempo y que se cuenta desde sus diversos puntos de vista en cinco segmentos (el segundo y último capítulo se cuentan desde la perspectiva del mismo personaje, cerca del corazón de la cebolla).

4. Los Pétalos de Flor. Una sofisticada manera de crear una narrativa es cuando, al igual que los pétalos de una flor, varias historias independientes se unen alrededor de una tesis o idea central.

En contraste con las capas de cebolla, estas historias no tienen tramas conectadas o entrelazadas, sino que son más bien una colección de subhistorias que pueden conjugarse para explorar un valor universal, como la amistad, la generosidad o la envidia.

Este tipo de historias suelen demandar atención sostenida por parte de la audiencia, que tendrá que despejar una moraleja que no siempre es tan intuitiva. Al ser de significado oculto, esas moralejas suelen ser muy satisfactorias para el espectador que ha logrado revelarlas.

Un ejemplo emblemático que usa esta técnica es la película Amores Perros (2000) de Alejandro González Iñárritu. La película se divide en tres subhistorias cuyos grupos de personajes nunca se conocen, y la única conexión que existe entre ellos es que sus historias inician a partir de un accidente automovilístico. La película, que marcó el renacer del cine mexicano de los últimos tiempos, explora los temas de la familia, la violencia y la pobreza en México.

5. Entre el Hoy Personal y el Mañana Universal. Las historias más inspiradoras suelen seguir un patrón que pendula entre la realidad que vivimos y aquellas aspiraciones o visiones ideales de futuro que nos imaginamos y queremos construir. Marshall Ganz, profesor de storytelling en Harvard University, fue uno de los primeros expertos en identificar las narrativas con tres planos: el plano personal del ahora, el plano universal del futuro, y la necesidad de tomar acción ahora para lograr ese deseo universal de cambiar el mundo.

El famoso discurso Yo Tengo un Sueño (“I Have a Dream”, 1963) de Martin Luther King es, tal vez, el más claro exponente de este tipo de historias, con vocación de revolucionar la lucha por los derechos civiles. La comunicadora estadounidense Nancy Duarte también ha descrito con detalle en varios libros la estructura de este tipo de historias, que de manera repetitiva contrastan lo duro de nuestra realidad actual para elevarnos a la esperanza de cómo podría ser un futuro mejor para todos. Lo más importante de este tipo de historias, sin embargo, es ese llamado a la acción que nos plantean al final, por lo que esta técnica suele usarse principalmente en presentaciones guiadas hacia ventas o movimientos sociales.

6. En Medio de la Acción. Aquellas historias que arrancan en el medio de la trama, en un momento climático o crítico de la historia, llaman mucho la atención del espectador y ayudan a generar suspense. Tras ese arranque impactante, normalmente la historia vuelve al pasado para desarrollarse de una manera lineal, hasta llegar al momento apoteósico que tantas preguntas nos creó al inicio. En muchos casos, incluso, la historia continúa hasta un desenlace.

Muchos thrillers suelen usar esta técnica, para presentarnos desde el inicio un momento de tensión y despertar en nosotros, como audiencia, interés de cómo se llegó a tan álgido momento.

Muchas series de televisión usan este recurso, pero una reciente dejó huella en mi retina. El Turista («The Tourist», 2022) de la BBC inicia con la persecución de un camión a un coche por las polvorientas carreteras de Australia, hasta que el camión embiste al coche y provoca la amnesia del conductor. Desde esta premisa, la historia avanza pero también regresa al pasado, hasta que se descubre la identidad del protagonista.

Si bien existen muchas otras, estas seis técnicas narrativas para crear historias son las más habituales. Estos distintos modelos, que requieren distintos niveles de destreza como creador de historias, son un valioso referente para crear historias emocionantes y con impacto.

¿Qué sería de Superman sin su debilidad por Lois Lane y la kryptonita? Los autores de las historias más inolvidables saben cómo crear personajes fascinantes que se caractericen por su personalidad compleja y vulnerable.

Cuanto más perfecto es un personaje, menos nos identificamos con él y más remoto, aburrido y unidimensional nos parece. Desde Don Quijote de la Mancha a Wolverine, los personajes más memorables del cine y la literatura tienen algo en común: su humanidad.

El Viaje del Héroe

Como ya vimos en otra entrada de este blog, nuestro personaje principal realiza un viaje a lo largo del arco narrativo de una historia. De una forma simplificada, podemos pensar en la historia como una tarta partida en cuatro porciones iguales.

En la primera parte, tu audiencia tendrá que identificarse con un personaje que tiene una necesidad. En la segunda, algo cambiará las circunstancias del personaje (este es el detonante o punto de inflexión de la historia). En la tercera parte, el personaje tendrá que tomar acciones para buscar una solución, hasta alcanzar el clímax de la historia; y en la última parte, el héroe vencerá los obstáculos para lograr su objetivo, y así cambiar su realidad.

Cinco Claves para Construir un Personaje Inolvidable

Teniendo en cuenta la necesidad de completar este viaje narrativo, ¿cómo puede un autor crear personajes fascinantes? A continuación describo cinco pasos esenciales para esbozar un personaje principal:

1. Presenta a tu personaje y su contexto de forma selectiva. No te demores en introducir a tu personaje principal, pero permite que tu audiencia vaya descubriéndolo poco a poco. Sé selectivo con la información de contexto que brindes sobre su carácter, con el suficiente detalle para informar el desarrollo de la acción. Por ejemplo, puedes describir su aspecto físico, edad, nacionalidad, origen, y vida familiar, en paralelo a características como sus fobias, miedos o metas personales.

2. Asegúrate que el personaje sea vulnerable. Todo héroe debe tener algo de anti-héroe: esas características que lo debilitan o ponen en desventaja para superar los retos que enfrenta en la narrativa. Esas áreas débiles no deben ser completamente insuperables para que nuestro personaje triunfe frente a la adversidad y pueda redimirse como héroe. Al final, incluso los personajes más anodinos deben demostrar fortaleza de carácter y de espíritu. ¿Recuerdas, por ejemplo, que la brillante Clarice estaba aterrada por Hannibal Lecter en El Silencio de los Corderos?

3. Enfócate en un conflicto principal. A la hora de esbozar tu personaje, es aconsejable que identifiques un obstáculo principal a superar en su personalidad o circunstancia. Un ejemplo clásico es el de Phil, el personaje que encarna Bill Murray en Día de la Marmota (Groundhog Day), quien tiene una actitud distante y condescendiente con la gente en ese día que se repite y repite. Phil progresivamente desarrolla una buena actitud que le permitirá aceptar su realidad, conquistar a la chica y romper el hechizo.

4. Muestra y no expliques tanto a tu personaje. El perfil de tu personaje se construye no solo de lo que especificas, sino también de lo que sugieres. No insultes la inteligencia de tu audiencia y describe situaciones o momentos en los que la audiencia pueda descubrir por sí misma las debilidades y fortalezas de tu personaje.

5. Usa tu experiencia personal como inspiración, pero también investiga. La peor crítica que puedes recibir es que tu personaje es estereotípico. Usa como referente de tus héroes a personas de tu entorno que ponen de manifiesto las contradicciones de ser humano. Si el personaje tiene características ajenas a ti o a las de tu entorno, no escatimes tiempo ni recursos en investigar detalles sobre su profesión, trauma u obstáculo. Cuanto más investigues, más originales y creíbles serán tus personajes.

Si crees que el desarrollo de la personalidad de tus personajes no es tan importante en historias dominadas por la acción, te equivocas. Un personaje asombroso sin conflicto que resolver puede resultar aburrido. Pero una historia de acción trepidante con personajes sin aristas puede resultar igual de previsible. Los mejores escritores y directores cinematográficos encuentran un equilibrio entre cómo crear magníficas tramas y desarrollar personajes fascinantes. No subestimes nunca el culto al personaje.

¿De cuántas formas puedes estructurar la trama de una historia? Hay muchas maneras de organizar tu storytelling para lograr el efecto dramático que deseas, pero todas ellas pueden resumirse en tres estructuras esenciales de narrativa.

Para escoger la estructura ideal, comienza por plantearte qué tipo de historia quieres contar. En este blog hemos explorado los siete tipos principales de historias, que incluyen desde el drama y la comedia de los clásicos, a géneros más actuales como las historias de superación, de revelación o de viajes.

Una vez que tengas claro el género de tu historia, podrás plantearte algunas preguntas que te ayudarán a escoger la estructura de tu historia: ¿necesitas dar mucho contexto histórico a la vida de tus personajes? ¿Desde cuántos puntos de vista necesitas contar la historia? O simplemente, ¿qué rápidamente necesitas contar la historia para llegar a un desenlace?

¿Cómo Estructuro Mi Historia?

Junto a la selección del tipo de historia que quieres contar, las preguntas relacionadas con la cronología, el ritmo y la perspectiva de la trama te ayudarán a seleccionar una de estas tres estructuras narrativas:

1. Narrativa lineal. Una narrativa lineal es la estructura más fácil de seguir por la audiencia porque presenta los hitos de la historia en el orden cronológico que ocurren. La anatomía de estas historias suele arrancar con un contexto, en el que se presenta el tiempo, el espacio y los personajes. Entonces se presenta un detonante o premisa dramática – ese momento que cambia el estatus quo – cuando se desencadenan una serie de acciones que dan tensión a la historia. Ese hilo dramático se destensa cuando se alcanza un clímax en la historia y, de ser necesario, se concluye con un desenlace o moraleja.

Este tipo de estructura ágil suele usarse en historias que no requieren mucho análisis de los personajes o contextualización de los hechos, y donde la perspectiva de los personajes involucrados no cambia los hechos. El foco de estas historias es el siguiente paso, el movimiento hacia delante, como en el caso de las historias de viajes o de superación. Ejemplos de narrativas lineales incluyen la comedia romántica Algo para Recordar (Sleepless in Seattle 1993) o la película La Jungla de Cristal (Die Hard 1988), ambas analizadas en este blog.

Este video de Pixar, con subtítulos en español, explica con más detalle las diferencias entre la estructura lineal y no lineal de las historias:

2. Narrativa no lineal. Una narrativa no lineal presenta los eventos de la historia fuera de orden, empleando flashbacks y otros recursos narrativos para cambiar la cronología de una historia. El propósito principal de fracturar la línea de tiempo de la historia es brindar contexto histórico que informa el presente de nuestros personajes, o dar espacio para reflexiones, sueños o incluso visiones del futuro. Estos viajes en el tiempo demandan más atención por parte de la audiencia para no perder el hilo de la historia, pero son muy gratificantes para crear tensión narrativa, desde mayor suspense a un sorprendente giro narrativo.

The Last of Us (¨Los Últimos de Nosotros¨), la serie actual de más éxito en Estados Unidos, usa frecuentemente estos recursos. La serie, basada en un videojuego, se sitúa en un futuro apocalíptico en que la mayoría de los humanos han sido infectados por un hongo que los ha convertido en una mezcla entre vampiros y zombis. La historia se centra en el viaje de un hombre con una niña que es inmune a la pandemia y puede representar la esperanza para la humanidad.

Esta historia se mueve en varios planos cronológicos, y viaja en el tiempo antes y después de la pandemia para recordar a personas que perecieron, o iluminar la historia con información sobre cómo la pandemia se originó y extendió. Si bien el viaje de los personajes siempre se mueve hacia delante, son frecuentes las secuencias que revisitan el pasado.

3. Narrativa del punto de vista. La narrativa del punto de vista está diseñada para expresar la perspectiva o la experiencia personal subjetiva del personaje principal u otros personajes de la historia. Este tipo de narrativas suele mezclar los hechos con el estado de ánimo y los pensamientos privados del narrador, por lo que la persona que cuenta la historia presenta la información de forma subjetiva y poco fiable. El narrador poco fiable es deliberadamente engañoso (p. ej., un mentiroso o embaucador) o está equivocado involuntariamente (p. ej., una persona que puede no comprender completamente los eventos que suceden), lo que obliga al lector a cuestionar su credibilidad como narrador. Tal vez una de las historias más famosas de un narrador poco fiable es la película de suspense El Sexto Sentido (The Sixth Sense, 1999), en la que no conocemos un dato importante del personaje del psicólogo hasta el final de la historia. Evitaré el spoiler si no has visto la película, pero mencionaré otra famosa película que usa el mismo tipo de narración poco fiable, Los Otros (The Others, 2001), del director Alejando Amenábar.

Es importante resaltar que el uso de estas tres estructuras esenciales de narrativa no puede ser aleatorio y debe ajustarse a las necesidades de la historia que cuentas. Si, por ejemplo, abusas de los viajes en el tiempo o del número de puntos de vista puedes confundir y llegar a perder a nuestra audiencia. La serie alemana Dark es un claro ejemplo de una historia que exige tanto del espectador que pocas personas lograron comprender y hacer sentido del desenlace. La máxima del “menos es más” debe guiarte para incluir los elementos narrativos que solamente sean imprescindibles para contar tu historia con efectividad.

Si ver las noticias en estos tiempos que vivimos te causa tanta ansiedad como a mí, es muy posible que estés buscando historias de escapismo que te permitan mantener la salud mental. ¿Y qué puede estar más lejos de la realidad que la ciencia ficción? Este género se ha convertido en uno de mis refugios durante los últimos años, bien sea en la lectura, la escritura y – ¿por qué no? – como fuente de entretenimiento en el cine y la televisión.

Como uno de los géneros más incomprendidos, tal vez te sorprenda saber que la ciencia ficción no son historias de monstruos que viven dentro de tu armario. La ciencia ficción es un género cuyos contenidos se encuentran basados en supuestos logros científicos o técnicos que podrían lograrse en el futuro. Esta base científica hace que las historias de ciencia ficción se diferencien del género fantástico, donde las situaciones y los personajes son fruto de la imaginación.

La ciencia ficción nació como un subgénero literario de la mano de H.G. Wells y Julio Verne. H.G. Wells fue el autor de clásicos como La máquina del tiempo (1895), La isla del doctor Moreau (1896), El hombre invisible (1897), y La guerra de los mundos (1898).  En sus páginas imaginó viajes en el tiempo, visitas de extraterrestres, y logros de la ingeniería genética, como la invisibilidad.

Por su lado, Julio Verne fue profeta de los submarinos, los trenes de alta velocidad o los aviones, con obras de travesías como Viaje al centro de la tierra (1864),  De la Tierra a la Luna (1865), Veinte mil leguas de viaje submarino (1870), La vuelta al mundo en ochenta días (1872) o La isla misteriosa (1874).

Con la llegada del siglo XX, los logros tecnológicos inspiraron a los autores de ciencia ficción a imaginar computadoras que desarrollan inteligencia propia, mundos amenazados por robots, o personas que viven en la red. Y así, con la llegada del cine, se convirtieron en nuevos clásicos películas como 2001:Odisea del Espacio (1968) de Stanley Kubrick, Blade Runner (1982) de Ridley Scott, o Matrix (1999) de las hermanas Wachowski.

Cinco Historias de Hoy que Vaticinan el Futuro

En esta segunda década del siglo XXI, aún con secuelas de la pandemia del COVID-19 y la explosión de una guerra en el corazón de Europa, la ciencia ficción es más necesaria que nunca. Por eso, en esta entrada, recomiendo algunas historias fascinantes de ciencia ficción que nos hacen soñar con un mejor futuro.

Night Sky. La primera temporada de esta serie original de Amazon, protagonizada por los sublimes Sissy Spacek y J.K.Simmons, usa los elementos de ciencia ficción en un segundo plano, para poner en relieve las relaciones humanas de los personajes. A primera vista, la historia puede parecer simple: una pareja en un pueblo de Illinois descubre un búnker subterráneo que les permite viajar a otro planeta. Pero la historia realmente explora temas tan humanos como la puerta de esperanza que se puede abrir tras la pérdida de un ser querido, el deseo de libertad de la opresión, la búsqueda de una identidad propia, o el amor como fuerza universal. La primera temporada de esta original serie, que se acaba de estrenar en Estados Unidos, deja muchas preguntas abiertas que espero encuentren respuesta en una segunda entrega.

Star Trek: Discovery. Si lo que buscas son espectaculares efectos especiales e historias fantásticas sobre la existencia de otros mundos y seres alienígenas, las cuatro temporadas de Star Trek Discovery serán, sin duda, tu próximo ¨atracón¨ televisivo. Lo mejor es, sin duda, la actriz Sonequa Martin-Green, una heroína que nos puede convencer de las historias más increíbles, llenas de imaginación y de un subidón de adrenalina. Lo peor, aunque seguro que difieren muchos nerds fanáticos de la serie, son las incomprensibles explicaciones que invocan la física o la química cuántica para hacer que una nave espacial salte literalmente en el espacio, o que una persona resucite tras estar suspendido en un mundo paralelo. Si te dejas llevar por la fantasía, la serie es pura diversión. Y además, todas las tramas se sustentan en los valores humanistas de la Confederación de Galaxias Starfleet: la cooperación, la igualdad de todas las especies, y la búsqueda de la paz y la armonía.

Duna. La primera parte de una serie de películas basadas en una novela de 1965 de Frank Herbert se estrenó en 2021, si bien la historia se llevó con fracaso al cine por primera vez en 1984. Esta película, sin embargo, ha ganado seis Oscars en categorías principalmente técnicas, y se destaca por una fotografía y producción absolutamente hipnóticas, bajo la dirección del cineasta canadiense Denis Villeneuve. Se trata de una historia clásica de tiranos y esclavos, en un futuro donde los mundos se rigen por leyes feudales. El joven Paul Atreides, heredero de la Casa Atreides, se traslada junto a su familia al planeta Arrakis, con la misión de explotar la especia melange, la mayor fuerza del universo. A través de la historia de Paul y la interacción con los seres nativos de su nuevo planeta, la novela y película exploran temas como política, religión, ecología, tecnología y emoción humana.

Fundación. Basada en las novelas de Isaac Asimov, esta serie de Apple TV+ tiene varios paralelismos con Duna, donde un imperio cruel reina con mano de hierro en toda la galaxia. Los héroes en esta ocasión son el Doctor Hari Seldon y su discípula Gaal, matemáticos que predicen la caída del imperio y sugieren la creación de la Fundación para preservar los pilares de la civilización hasta la llegada del nuevo imperio. La historia, en este caso, tiene menos que ver con las emociones humanas y más con las grandes fuerzas de la física y las matemáticas que rigen el universo ¿Hasta qué punto podemos cambiar el destino? ¿Somos realmente dueños de nuestro presente? La serie ha incluido a más protagonistas mujeres que estaban ausentes en las historias originales, y empodera a estas heroínas a ser precursoras de los cambios que la historia original deja en manos de la psicología colectiva. ¿Podrá la serie encontrar un mejor balance en esta dicotomía en su segunda temporada? 

Years and Years. No puedo despedirme sin mencionar esta joya, una coproducción de la BBC y HBO. De todas las historias comentadas, es la más antigua, ya que fue producida en 2019. En tan solo seis episodios trepidantes, viajamos desde el presente hacia un futuro distópico, a lo largo de 15 años, con los miembros de una familia de Manchester. La serie es terrorífica por lo plausible del futuro que imagina, una Gran Bretaña y un mundo azotados por la xenofobia, la disrupción tecnológica, las protestas civiles y la inestabilidad política. En este cuento con moraleja, Emma Thompson hace el papel de una política británica inspirada en el perfil de Donald Trump. Sobrecogedora.

¿Y qué mejor forma para cerrar una entrada sobre historias fascinantes de ciencia ficción que con una de las citas más famosas del género? Es la cita del replicante Roy Batty al final de Blade Runner, y que tiene tanto de ciencia ficción como de humanidad. “Yo he visto cosas que vosotros no creeríais: Naves de ataque en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Tiempo de morir.¨

Uno de mis personajes favoritos de la televisión reciente es Alex Levy, la indómita presentadora de televisión del programa The Morning Show, nombre que también da título a la serie de Apple TV+.

Alex, magistralmente interpretada por Jennifer Aniston, se despierta un día con la noticia de que Mitch Kessler, su co-presentador durante los últimos 15 años, ha sido despedido abruptamente por acusaciones de conducta sexual inapropiada.

Como en toda buena historia, este incidente rompe la apacible existencia de Alex y se convierte en el detonante de una serie de desafíos profesionales y personales que pondrán su vida del revés.

Sin desvelar demasiados detalles de la trama de la serie ni del viaje de nuestra heroína, en este artículo abordaré algunos de los elementos que convierten a esta mujer en un personaje fascinante. Como guía, usaré siete de los veintidós consejos que el estudio de animación Pixar reveló hace unos años para crear historias emocionantes.

Estos siete consejos se concentran en el desarrollo de personajes creíbles e interesantes, y si bien Pixar los usa para perfilar sus personajes animados, son reglas de oro que cualquier escritor o guionista puede seguir para crear personajes inolvidables. Como complemento a estas siete pautas, puedes descubrir el resto de los consejos de Pixar para el desarrollo de historias emocionantes en una entrada anterior de este blog.

 1. Debes identificarte con la situación y los personajes. No puedes escribir en frío. ¿Que te haría actuar de esa manera?

Imagínate que eres una de las caras más reconocidas de la televisión y que millones de personas desayunan contigo cada mañana. Es probable que te imagines a Alex tal y cómo se escribió: una mujer carismática, inteligente, cercana a los 50, y con buena presencia. Por otro lado, el triunfo en el trabajo no suele coincidir con el éxito en el hogar, sobre todo si te imaginas a una mujer entregada a su profesión y víctima de su propia celebridad, con cierto grado de vanidad y aires de superioridad ante los demás. Esas son las características de anti-heroína que dan humanidad al personaje: Alex es impulsiva, ególatra, ambiciosa, y una madre y esposa ausente, que antepone sus necesidades a las de los demás.

2. ¿Con qué se siente cómodo tu personaje? Lánzale al polo opuesto. Desafíalo. ¿Cómo lo superará?

Cuando Alex se queda sola como presentadora del programa, y al descubrir que sus jefes llevaban meses pensando en sustituirla por una mujer más joven, Alex enfrenta, por primera vez, ansiedad e inseguridad. Alex, sin embargo, sabe reconocer que ella es ahora la única razón por la que el programa se mantiene a flote y, en vez de dejarse hundir por las circunstancias, decide tomar las riendas de la situación y enfrentarse a sus jefes.

3. Admiras a un personaje por sus intentos, más que por sus éxitos.

Alex no se deja acorralar por sus jefes y, de manera impulsiva y sin consultar con ellos, anuncia públicamente en una entrega de premios que su nueva co-presentadora será Bradley Jackson, una joven reportera con poca experiencia ante las cámaras. El anuncio es muy arriesgado por el peligro de despido pero nos identificamos con su intento desesperado de mantener control de la situación. El estudio decide dar una oportunidad al dúo de Alex y Bradley, con resultados mixtos para Alex, que pronto empezará a resentir la rápida ascensión a la fama de Bradley. La vulnerabilidad baña de humanidad al personaje y es una de las características necesarias para crear personajes inolvidables.

 4. Las coincidencias que ponen en problemas a los personajes son geniales; las coincidencias para sacarlos son tramposas. 

El hecho de que uno de los jefes de Alex trajera a Bradley a la cena de la entrega de premios, con el fin de crear inseguridad en Alex, es una coincidencia que Alex usa para hacer su sorprendente anuncio público. Poco se imagina Alex que la presencia de Bradley en el programa va a acarrearle muchos problemas y será la responsable de que salga de su zona de confort. Este tipo de ¨coincidencias¨ crean tensión narrativa y ayudan a avanzar la trama hasta el clímax y el eventual desenlace. El público, sin embargo, percibe como oportunista cuando el escritor usa las coincidencias como una salida fácil, por lo que un buen guión siempre sorprenderá pero sin hacer uso de este recurso tan predecible.

 5. Simplifica. Focaliza. Combina personajes. Evita los desvíos. Sentirás que estás perdiendo cosas valiosas pero te dará libertad.

Este punto está ligado muy claramente a la razón de ser de la historia y al mensaje que queramos comunicar, sobre todo si nuestra historia tiene una moraleja. Es por eso importante tener claro el final de nuestro relato antes de llegar al ecuador de nuestra trama, de tal forma que podamos economizar la acción y construir un andamio narrativo hacia nuestro desenlace que no deje ningún cabo suelto. Esto no quiere decir que la tensión narrativa ha de construirse de manera aburrida y exclusivamente lineal – The Morning Show, por ejemplo, usa el recurso de regresar en el tiempo para clarificar las motivaciones y acciones de los personajes en el presente.

 6. Dales opiniones a tus personajes. La pasividad y maleabilidad pueden parecer agradables cuando uno escribe, pero es veneno para la audiencia.

Alex es un personaje fascinante precisamente por la ambivalencia de sus opiniones – una cosa es lo que dice ante sus jefes y las cámaras y, otra muy distinta, lo que dice cuando habla con su amigo, el productor del programa. Estas opiniones a veces parecen incongruentes, impulsivas y hasta inmaduras, porque el personaje experimenta muchos cambios emocionales y aprendizajes según transcurren los acontecimientos, hasta llegar a ese momento de clarividencia total en el desenlace (que no revelaré para evitar el spoiler). Crear personajes inolvidables requiere reconocer estas aristas y no huir de la complejidad en el carácter.

 7. Si fueras tu personaje, en esa situación, ¿cómo te sentirías? La honestidad da credibilidad a situaciones increíbles.   

Desde el inicio, The Morning Show no solo subraya el comportamiento indebido de muchos hombres en posiciones de poder, sino que también cuestiona la cultura de aceptación y silencio en ciertos entornos de trabajo que alienta esos comportamientos. Así, Alex no solo debe enfrentarse a salvar su carrera ante una situación laboral cambiante, sino también a examinar su propia integridad como ser humano y como periodista por haber hecho oídos sordos a los abusos de su ex-compañero y de sus jefes durante años. La historia de Alex, en este sentido, no es solo la de una superviviente sino la de una mujer que debe aceptar la verdad y encontrar un nuevo compás moral, comenzando consigo misma.

Te animo a que veas la serie, que también incluye a grandes actores con personajes muy bien ideados como Reese Witherspoon, en el papel de Bradley, a Steve Carell, en el rol de Mitch, y a Billy Crudup como el jefe antagonista de Alex. Y si eres escritor, espero que estos personajes te inspiren a crear personajes inolvidables en tu próxima historia.

¿Sabes qué es un arquetipo? Un arquetipo es un modelo o estructura funcional que se adopta de forma sistemática en el tiempo hasta convertirse en un patrón universal. En narrativa, por ejemplo, el superhéroe es un arquetipo de personaje principal que reúne ciertas características que se repiten en muchas historias (por ejemplo, que demuestre valentía y tenga superpoderes). Lo que tal vez no sepas es que existen siete arquetipos narrativos o tipos de historia para cautivar a tu audiencia. Es como si pudieras categorizar la mayoría de las historias que produces o consumes en siete grandes categorías.

No hace falta ser un escritor o director de cine para usar estos arquetipos como referencia. Es muy probable que, como parte de su estrategia de posicionamiento y mercadotecnia, tu empresa haya adoptado el arte de la narrativa. La habilidad de una marca para «conquistarnos» a través de las historias que nos cuenta y las emociones que nos transmite se plasma en estrategias de «marketing de contenidos» (conocidas como branded content o content marketing en inglés). Así, las empresas ya no solo venden productos y servicios, sino experiencias que nos permiten entender sus valores y personalidad.

Siete Arquetipos Narrativos para Marketing de Contenidos

¿Y qué historias están contando las empresas de más éxito para cautivar a sus clientes? Son siete fórmulas probadas que no dejan de reinventarse con la infusión de creatividad y personalidad de cada marca.

El Yo Universal. En el mundo globalizado en que vivimos, las historias de temas universales como el amor, la amistad o la música incitan en nosotros sentimientos de solidaridad y de reafirmación de nuestra propia humanidad. Coca Cola es una de las firmas que mejor ha sabido contar la historia de la aldea global, desde sus primeros anuncios en los años 70, a la controvertida campaña America the Beautiful, en la que el himno americano es interpretado en varios idiomas.

El Viaje. Cada historia es, en realidad, un viaje por el espacio y por el tiempo, por lo que muchas marcas nos cuentan historias que ponen en relieve su espíritu nómada y aventurero. Por ejemplo, la reciente campaña de la marca de relojes Citizen, titulada Chasing Horizons, nos cuenta la historia de un fotógrafo que persigue la puesta de sol a través de distintas franjas horarias alrededor del mundo. Y el viaje también puede ser menos literal y más figurativo, como el de este reciente anuncio de Apple en el que varios anti-héroes se embarcan en un proyecto para alcanzar un ansiado objetivo profesional.

La Fantasía. Desde el Calvo de la Lotería en España a los anuncios de Charlize Theron para Dior, el género fantástico suele ser usado por marcas que quieren trascender los límites de la realidad para conquistarnos con la imaginación. Al igual que en el gaming, el cine y la televisión, el desarrollo de las técnicas 3D y otros efectos especiales ofrece muchas oportunidades de creatividad para marcas que quieren envolverte con su magia.

La Revelación. Las historias que marcan un antes y un después, sea por una transformación física, un descubrimiento o una revelación interior, suelen tocar nuestras fibras más sensibles. Una de las firmas que mejor ha usado esta estrategia narrativa en sus contenidos es Dove, la empresa cosmética de EEUU que ya nos puso la piel de gallina con la premiada Real Beauty Sketches y, más recientemente, también nos emocionó con la tierna Legacy, en la que madres e hijas descubren una percepción compartida de su belleza física.

La Comedia. Uno de los géneros clásicos del storytelling, y tal vez uno de los más difíciles de abordar, es el del humor. Pero las marcas que logran dominarlo, suelen posicionarse como las más transgresoras y populares, especialmente entre los consumidores más jóvenes. El ya famoso anuncio «La Fuerza» de Volkswagen es una de las historias más simpáticas y premiadas de la publicidad reciente.

El Drama. El género dramático no es el favorito de las marcas, pero puede ser tremendamente efectivo para algunos esfuerzos de sensibilización como las campañas anti-tabaco o contra-incendio, o para las compañías que venden servicios de seguros y productos de seguridad. El contenido dramático queda grabado de forma más durarera en nuestro inconsciente, y apela a nuestras emociones más primarias de supervivencia y protección. Esta campaña de Maserati, titulada Strike, es una de mis favoritas de los últimos años.

El Afán de Superación. Este es uno de los tipos de historia más satisfactorios y emocionantes para el consumidor, ya que suele describir cómo es posible superar grandes retos o miedos, sea con tesón, inteligencia o destreza. La marca reina de las historias de superación es Nike, cuya campaña Dream Crazier se ha convertido en todo un referente de la igualdad de género. En España, guardo especial recuerdo del efectivo uso de este género en la Campaña Historias con Alma de Obra Social de La Caixa.

¿Ahora entiendes por qué tomarte una Coca Cola te evoca sentimientos de amistad, o te sientes especialmente creativo cuando utilizas un producto de Apple? Las marcas se están definiendo a través de historias como éstas, y en el proceso, creando una legión de leales consumidores que comparten su misma filosofía de vida.